Che sia sul palco, nella fossa o per strada, l'intersezione in cui musica e fotografia si incontrano ha reso la fotografia musicale uno dei generi fotografici più dinamici e visivamente intriganti.
Come catturare la crudezza di un suono mentre risuona dagli amplificatori? Questa è stata la ricerca dei fotografi musicali dagli albori del punk e dell'hip hop agli scatti più iconici delle star del rock e del pop degli anni '60 e '70. Catturare un suono è impossibile, ma catturare una sensazione è un'altra storia ...
Quando si parla di fotografia musicale, bisogna considerare anche le identità sub-culturali e i loro significati visivi. Quando qualcuno dice "metal", poche cose vengono in mente quasi istantaneamente. Certo che c'è la musica, ma poi ci sono i vestiti, i pantaloni larghi neri e le felpe con cappuccio, i capelli lunghi, le barbe e i piercing. Lo stesso si può dire per hip hop, punk, grunge e praticamente ogni altro genere musicale.
Le identità che le persone creano per se stesse, che, almeno alla fine del XX secolo, si allineano con la musica, sono state oggetto di molti fotografi. Derek Ridgers, che ha scattato foto a tutti, da James Brown a Nick Cave, si è fatto un nome con il suo progetto fondamentale "Skinheads", incentrato sul controverso culto giovanile dei primi anni Thatcher in Gran Bretagna alla fine degli anni '70 e all'inizio degli anni '80.
Le sue immagini sorprendenti dei giovani tatuati e con la testa rasata che hanno seguito la musica punk e hardcore parlano di ribellione, ma hanno anche sfumature sottilmente politiche. Il suo lavoro segna un momento importante nella storia britannica moderna, e guarda alle complessità dell'austerità sotto Thatcher dal punto di vista della gioventù disamorata. Il suo lavoro è stato successivamente riconosciuto da Morrissey e utilizzato per promuovere il Il tuo tour dell'Arsenal.
Allo stesso modo, Graeme Oxby ha tracciato l'ossessione del mondo per Elvis e le lunghezze che i fan fanno per avvicinarsi ai loro idoli. Il suo progetto I re d'Inghilterra segue gli imitatori di Elvis mentre vivono la monotonia della loro vita quotidiana con l'aiuto di The King.
Il lavoro di Oxby è un'esplorazione ironica di questi superfan di Elvis mentre competono per il lavoro, si esibiscono nelle loro città locali e cantano nelle loro camere da letto. Concentrandosi non sugli artisti stessi, ma sui fan e sui loro rapporti con il musicista, si può cogliere l'impatto culturale che la musica ha avuto su decenni di persone.
Dall'altra parte del mondo, il lavoro del fotografo maliano Malick Sidibé ha catturato l'euforico zeitgeist che attanagliava Bamako negli anni '1960 mentre il dominio coloniale francese stava finendo in Mali. Mentre la nazione subiva profondi cambiamenti, i giovani, naturalmente, hanno risposto a questo, liberandosi dalle loro catene abbracciando la musica e la moda come mezzi di espressione.
Afferma Sidibé “Stavamo entrando in una nuova era e la gente voleva ballare. La musica ci ha liberato. All'improvviso, i giovani uomini potevano avvicinarsi alle giovani donne, tenerle tra le mani. Prima non era permesso. E tutti volevano essere fotografati ballando da vicino. " La sua foto iconica di una coppia che balla in un club la vigilia di Capodanno del 1963 è un momento perfetto di pura estasi dove puoi quasi sentire la musica.
Larry Towell, polistrumentista, musicista e Magnum Associate ha parlato di come la musica ispira il suo lavoro, ma anche dei contrasti tra i due mezzi: “La fotografia è illustrativa; sei un testimone quando fotografi. Mentre, come paroliere, dipendi dalla tua immaginazione. Si oppongono a vicenda. Ma non sono affatto un bravo musicista. Sono un narratore e l'esperienza come fotoreporter mi fornisce molto materiale ".
Notando le ovvie differenze tra la natura espressiva e fattuale dei due mezzi, rispettivamente, il lavoro fotografico di Towell, che è spesso pubblicato con registrazioni di accompagnamento, illustra la sua esperienza diretta di determinati eventi insieme ai suoi sentimenti verso le cose a cui è stato testimone.
“Compro molta curiosità. Lo compro se mi piace la copertina dell'album, lo compro se mi piace il nome della band, tutto ciò che accende la mia immaginazione ". Bruce Springsteen
Inoltre, la sinergia creativa tra fotografia e musica è sempre stata un elemento importante del design degli album. Molti fotografi di fama internazionale sono dietro ad alcuni degli album più iconici della storia della musica, immagini che rimangono nella memoria collettiva della società.
Da quattro uomini alle strisce pedonali, a un monaco buddista avvolto dalle fiamme, la cerniera di un paio di jeans attillati blu, un uomo in fiamme che stringe la mano a un altro uomo - solo alcuni esempi della rappresentazione visiva concessa ai vinili neri al cui interno hanno lasciato profonde impressioni su generazioni di appassionati di musica.
Sebbene il formato dell'album sia cambiato dall'avvento della musica digitalizzata e dalla crescita dello streaming online, e forse perdendo parte del suo significato come opera d'arte, la fotografia e la musica continueranno a rimbalzare l'una sull'altra finché musicisti e fotografi continueranno ad apprezzarne una il mestiere di un altro. Molte delle copertine degli album più iconiche di oggi non erano opere commissionate, ma il risultato degli stessi musicisti che setacciavano la storia visiva.
Sebbene la musica e le fotografie esistano per parlare da sole, senza dubbio si influenzano molto e si sono incontrate in modi infiniti.
Man mano che la musica stessa cambia, ci sono infinite possibilità aperte per i fotografi di documentare questo paesaggio fluttuante, sia in modo espressivo che giornalistico.
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